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LING.
HERE, THERE & EVERYWHERE.
Noviembre 2012

La revista Ling es otro producto de la aclamada “editora de contenidos” Brands & Roses, conocida por Yorokobu, que fue su primera publicación periódica. Yorokobu acabó recibiendo numerosos premios y abrió la puerta a nuevos trabajos.

Ling, es una edición mensual creada para la compañía Vueling. La idea era crear una revista para repartir en los vuelos de la compañía, pero con calidad suficiente como para que al pasajero pudiese gustarle y llevársela a casa.

Como Yorokobu, esta revista tiene un cierto aire retro, pero mucho más comedido. El logotipo de la revista es una simple tipografía hecha a mano, muy parecida a las que mencionábamos en el post anterior.

El papel de la revista es un papel de acabado mate de casi 100gr, sin laminado y aparentemente sin acabados que no llega a ser de un blanco intenso. Esto por una parte da la sensación de estar ante una revista especial, tiene más peso que otras y lomo fresado en lugar de grapas. 

Al abrir la revista, encontramos lo primero una portadilla interior que gráficamente lanza un mensaje muy directo y nos dirige (si nos interesa) a la página donde se encuentra ese artículo.

La revista tiene una particularidad, y es que sus artículos se encuentran en inglés y español. Estos dos idiomas quedan fácil y claramente diferenciados, ya que aunque van integrados en las mismas páginas, están maquetados de forma distinta. Las tipografías y el ancho de columnas son distintos, y una línea los separa. El español es el idioma principal, ya que además de ir primero en los artículos, por la tipografía escogida ocupa más volumen en cuanto a mancha de texto.

Aunque como toda revista de viajes, ha de contener muchas imágenes, como siempre la factoría Brands & Roses se decanta muchas veces por el uso de ilustraciones y sobretodo de infografías.

La relación entre el texto y las imágenes es muy buena ya que están comunicados entre sí pero sin molestarse.

La verdad es que encuentro el diseño de esta revista bastante aséptico, excepto por las ya mencionadas ilustraciones y las infografías, lo único que me llama la atención son los titulares, realizados en una tipografía de palo seco tipo condensada, que tan de moda está desde hace unos años y que tiene cierta inspiración retro.

Por lo demás, mientras que en yorokobu podemos ver una clara inspiración del retro de estados unidos, esta revista está más fuera de las tendencias con el propósito de resultar más universal.

En las ilustraciones tampoco podemos encontrar una tendencia fija, ya que por ejemplo en este número podemos ver primero una de estilo naive en las páginas 16-18, rozando la tendencia del urban scketching pero de una forma menos espontánea. Después, en la página 37 encontramos una ilustración que recuerda mucho al estilo de las ilustraciones de novela gráfica que usaba Marjane Satrapi y otros reporteros gráficos de oriente. La textura en la mancha negra junto al uso de tintas planas imita a las vetas que podemos ver en los grabados xilográficos.

Em la página 55 encontramos una ilustración muy geométrica, que posee una cierta abstracción cuyas formas y colore splanos recuerdan al constructivismo (aunque con menos uso del color, siendo más moderado).

En la página 69 encontramos una ilustración pruamente vectorial. Una infografía con un estilo que es tendencia gracias a los programas digitales de edición gráfica vectorial. Los colores en este caso cumplen una función ante todo descriptiva.

Finalmente, en las páginas 69 y 70 tenemos otra infografía, de trazo naive y desenfadado categorizable en un estilo similar a la primera que hemos visto.

Lo único en común entre estas imágenes es el uso de grises como color aunificador y el uso moderado de colores estridentes, ya que todas ellas buscan ser agradables a la vista.

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La tendencia retro es algo que hoy nos rodea por todas partes.
Nos envuelve y así viene siendo desde el 2007, cuando empezó a aparecer en los manuales de tendencias, pero parece que hoy en día está arraigada de pleno en nuestra sociedad. ¿Por qué es esto? ¿Por qué en tiempos de crisis parece que nos hace sentir más cómodos que nunca?

Para contestar a estas preguntas, hemos de fijarnos a qué época se remite este estilo y de dónde sale. Qué tipo de formas y líneas estamos imitando y por qué nos agradan tanto.

La verdad es que el estilo retro nos es conocido a la mente y agradable a la vista, y parece que no hay que preguntarse nada para ni nada que interpretar a una chica con un moño recogido y con colores pasteles y cuello recatado.

La moda retro recrea un ambiente mejor, un ambiente en el que nos gustaría estar. Allá por los años 50 y 60 américa mostraba al mundo entero su glamour y su bonanza económica. Nos mostraba el gran sueño americano. Hoy en día parece que cuando peor nos va, más se quiere recrear ese sueño americano, para que aunque te preocupen las hipotecas, aunque parezca que todo vaya mal, podamos mantener las apariencias o el tan aclamado “keep calm and…”


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Pero ¿Dónde encontramos esta moda en nuestro día a día y cómo la reconocemos formalmente?

Los colores pasteles y suavizados son uno de sus elementos más característicos. Por parte de los objetos de diseño de producto, estos colores en su época eran debidos a que todavía no se había desarrollado tanta tecnología en el teñido del plástico, de forma que uno de los colores predominantes que se obtenían de los procesos industriales plásticos era el verde aguamarina
La gama de colores que caracterizan el estilo reto son el rosa, los verdes, el naranja, el rojo, el celeste y los amarillos predominando en su gama más suave, dando tonos amarilleados y “antiguos”.
*Podemos encontrar casi toda la gama de colores del estilo retro en la deliciosa web de ciclemon

electro retro

Smeg es una de las marcas de diseño de electrodomésticos que más se ha volcado en imitar el estilo de los años 50, consiguiendo un éxito absoluto de crítica y ventas. Incluso podemos ver su propia página de inspiración de los años 50 e integración de su producto en la actualidad mediante el uso de redes sociales como twitter.

En cuanto a geometría del diseño de producto, se trata todo de formas muy geométricas, que de base y concepción podrían describirse mediante figuras rectilíneas, pero en las cuales se han suavizado todos los cantos y formas. Podríamos decir que son formas industriales intentando tender hacia lo orgánico y lo amable. No olvidemos que en los años 20 y 30, potenciados por la bauhaus, se empezaron a estudiar y a aplicar por primera vez los conceptos de ergonomía en el producto pero seguramente no empezarían a llegar al consumidro hasta el auge cosumista de los 50.

Finalmente, en Zaragoza podremos apreciar el más puro estilo retro en cuanto a decoración y mobiliario en el cenador Peggy Sue’s, donde predominan los colores rosa y azul verdoso, tanto en el mobiliario como en la vestimenta de los camareros. Además la comida también intenta recrear los sabores y contenidos de los típicos dinner’s americanos que tanto hemos visto en las películas de los años 50, 60 y 70.

En cuanto al contenido puramente gráfico de la tendencia retro, además de los colores vamos a encontrar símbolos y emblemas muy estáticos y diferenciados como las badges (medalla o pin en español), las orlas y los lazos, que se usan como recurso para enmarcar o señalar distintas rotulaciones o tipografías. Estas se presentan en colores planos (en el caso de ir con degradados serán muy sutiles) y muchas veces se recrea la textura del papel o incluso una textura desgastada.

Ejemplo de lazos vintage, en los que podemos apreciar una cierta textura desgastada:
Vintage ribbons set — Imagen vectorial #6208679

Como observamos, en ninguno de los ejemplos hay colores estridentes:

Colorful vintage ribbons vector

Las insignias se caracterizan por ser formas circulares concéntricas adornadas por ondas, formas triangulares concéntricas o simplemente otras formas circulares en línea discontinua o de puntos. Además de esto suelen ir acompañada por lazos como los que acabo de mostrar.

Set of vintage badges and ribbons  — Imagen vectorial #20074347

Otro motivo muy usado para las insignias son las formas de escudo, que imitan a los antiguos logotipos de industrias o fundiciones, que eran muchas veces escudos con tipografía en su interior. También imitan con este estilo a los escudos de los equipos deportivos universitarios estadounidenses.

Vintage labels and ribbon retro style set vector design elements Stock Photo - 13908240

Vector set vintage ornate decor elements. ornaments ribbon blue — Imagen vectorial #8869336

Además de todos estos elementos no debemos olvidarnos del papel pintado o motivos de patrones, en concreto los “motivos de damasco” o damask patterns. Estos son usados como fondo de papel pintado en diseño web, y sus motivos o decoraciones florales se pueden usar también sobre fondo plano como en el título de la imagen anterior o como en la siguiente imagen:

Vector vintage ornate decor elements. ornaments ribbon stamps — Imagen vectorial #8678091

Ejemplo de diseño web que hace uso del “papel pintado”, aunque hace más uso de elementos del art nouveau, usa el papel verde y los recursos de las chapas.

HEM JEANS - Campaign

Finalmente, pasamos a lo que es en mi opinión lo más importante del estilo gráfico retro junto al color: la tipografía.
En el estilo retro es la protagonista, siendo todos los elementos que hemos señadado a continuacion meros marcos o señalizadores de la misma.
En la tipografía retro hay dos tendencias claramente diferenciadas, que se conjugan entre ellas sin chirriar ni pisarse: las tipografías tipo script y las del grupo de las egipcias y las palo seco.
Las primeras son aquellas que recrean la escritura manual, en la que todas las letras aparecen ligadas entre ellas y muchas veces, al final de la palabra puede aparecer una rúbrica o ir subrayadas o adherezadas con algún glifo perteneciente a la propia tipografía. 
Entre este tipo de tipografías encontramos a la ya hiperfamosa Lobster o la tipografía baseball.

Lobster font:

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Baseball:

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Pero las tipografías que realmente han triunfado entre este estilo son las realizadas de cero por un caligrafista, que crea y liga de forma única y original los trazos y las formas de logotipos, marcas y frases. Este arte es hoy más conocido como rotulación o lettering.

A Lettering for nuts magazine. See video

Más ejemplos de lettering manual en mi pinterest.

El otro tipo de tipografías a las que me refería, las egipcias, es un tipo de tipografías que proceden de los inicios industriales de la tipografía y las imprentas, de cuando se trabajaba con tipos de metal. Estas se caracterizan por tener formas marcadamente geométricas y rectilíneas, con la presencia en muchos casos de grandes serifas rectilíneas. Un ejemplo de una tipografía de este estilo muy de moda desde hace unos años es la Rockwell (una tipografía preciosa, desde mi punto de vista)

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Por esto que acabo de explicar, creo que la mejor manera de diferenciar las tipografías retro sería pensar en las que podrían estar hechas a mano, y las que podrían estar usándose en una máquina de escribir.

Sobre la relación entre el grafismo digital y el retro:
Ha sido tendencia en la última década, después del boom de los medios digitales comenzar a imitar digitalmente las texturas y técnicas tradicionales, volviendo a un gusto estético sobre los materiales analógicos las texturas de papel, las acuarelas, etc. Curiosamente el retro se vuelca sobre esta tendencia pero de una forma mucho más sencilla: casa perfectamente con el diseño y el estilo vectorial, que tan sólo ha tenido que adaptar sus colores y añadir a veces una ligera textura de papel para verse absolutamente adaptado dentro del diseño retro. Creo que esto ha sido un factor que ha hecho que grafistas de todo el mundo hayan abrazado este estilo sin mayor problema, mientras que técnicas más complejas de ilustración o acuarelas digitales quedaban reservadas para ilustradores concienzudos y profesionales.

Sobre la relación entre el retro y la tendencia DIY:

Otro posible motivo para que el estilo retro se haya metido tan dentro de nosotros acompañado de la crisis ha sido la tendencia DIY (do it yourself, o hazlo tú mismo), que aunque nació del afán de ahorrar a la vez que la persona se autorrealizaba creando algo útil para su hogar o vida diaria, ha acabado arraigando dentro de gran parte de la tendencia de consumo de muchos productos retro.

La tendencia DIY nos remite en muchos sentidos a todo lo que nos remite el estilo retro en cuanto a la ama de casa que sabe preparar desde magdalenas hasta hacer un vestido para su hija. Ahora hacer ganchillo está de moda entre las mujeres jóvenes, y es una tendencia que entra también dentro de la moda retro.

Ahorrar un dinero y ponerte la ropa que se ponía tu madre hace 30 años, es retro y es tendencia (no olvidemos que la moda de a pie de 1970 en España se parecía en muchas cosas a la de los años 60 estadounidenses).

El DIY muchas veces no busca la perfección sino que tiene texturas, gusta del papel y del desgastado también a veces. Es tan romántico como el retro y muchas veces busca también su estética. (aunque muchas veces por desgracia, parece que sea la estética lo único que busque).

Reflexiones personales sobre la moda retro actual:


La verdad es que no me encuentro siendo muy amiga de esta moda, por haber cogido valores del DIY que yo había hecho míos y convirtiéndolos en otro instrumento del consumismo (siendo que el DIY proclamaba lo distinto al cosumismo!). La estética retro* que nos inunda actualmente tiene una gran carga emocional y romántica, pero su excesivo formalismo estético está dando lugar a una tendencia aún más fuerte que se puede definir como “el gusto por lo bonito en lugar de lo bello”. Hoy no se quiere algo expresivo o conmovedor, sino que se busca lo “mono”. Sinceramente, creo que esto limita mucho gran parte de las tendencias que vemos hoy en día, aunque cada vez hay más gente que se está cansando de que todo tenga que ser tan bonito y maravilloso y lanzándose un poco hacia un lado más punk. Esto empieza a notarse más en contenido filosófico que en una formalidad gráfica. Un ejemplo claro de lo que intento expresar lo vemos en Mr Wonderfuck, clara contrarréplica al afamado Mr. Wonderfull.

Estas dos tendencias contrapuestas hacen que en cuestión de expresividad gráfica los artistas se declinen y se extremicen cada vez más entre la ingenuidad más naive que busca un mundo de caramelo en las nubes mágicas contra las tendencias más ácidas y sardónicas rallando la amargura, hastiadas de que les digan que un abrazo hara que cagues lacasitos y confetis de la felicidad.

Creo que por este último lenguaje soez se puede ver que cada vez me encuentro más posicionada hacia esta segunda tendencia más “punk”, pero también tanta amargura me parece excesiva.

Hace tiempo que pensaba que esta tendencia tan retro y bellista se agotaría, pero me temo que está durando y se está extendiendo y haciendo más omnipresente de lo que debería. Creo que la tendencia se mantendrá firme, pero irá suavizando el contenido y dejando de lado elementos que lo recargan como las puntillas o el idolatrado bigote. (estos elementos entrarían dentro de un análisis de “símbolos fetiches de la tendencia retro actual”).

*no olvidemos que el término “retro” se refiere a cualquier moda actual que pueda imitar modas o estilos pasados, pero yo me estoy refiriendo al retro que más vemos actualmente que recrea los años 50 y 60 estadounidenses.

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1976 - Joaquín Carbonell - Con la Ayuda de Todos

1976 - Joaquín Carbonell - Con la Ayuda de Todos

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1975 - Labordeta - Tiempo de Espera
Análisis Gráfico de la carátula.


Esta imagen me recuerda a una mezcla entre Matisse y unos campos de color, siendo una imagen de expresionismo abstracto. Recuerda a una imagen de una montaña o de movimientos tectónicos en donde simbólicamente vemos el color azul, del capitalismo y la derecha, reposando sobre el color rojo de la izquierda, que hace cuña entre este y la tierra.

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1971, Labordeta, Cantar I Callar
Análisis gráfico de la carátula.

Esta imagen figurativa, metafórica pero fácil de entender recuerda mucho a los carteles republicanos de la guerra civil española
Esta imagen no se mete con nadie, pero su simbolismo alude a la censura de la dictadura. La rosa, es la rosa socialista enarbolada por la izquierda, que está atrapada, cercada por unas vallas que recuerdan a una cárcel. La tipografía stencil también recuerda a los mensajes revindicativos, los grafitis y las pintadas rápidas en las calles.

En 1971 comienzan los tiempos de verdadera apertura. La democracia se avecina en España. El Gobierno de Franco concedió la amnistía a unos 700 presos y presas. También se deroga la ley de Bandidaje y Terrorismo. Estados Unidos, que ya preveía la muerte de Franco por sus problemas de salud, elaboró un informe sobre la “próxima transición” española. http://www.cadenaser.com/cultura/articulo/eramos-espanoles-1971/csrcsrpor/20090307csrcsrcul_3/Tes

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La Bullonera nace a principios de 1972 de la mano de Eduardo Paz y Javier Maestre

dentro del movimiento antifranquista de la Universidad de Zaragoza.

Como ellos mismos cuentan en el libro Aragón (serie Colección Pueblos del Estado Español de 1977)

lo único que les unía era “el rechazo a la cultura burguesa y aficiones musicales sin mas”.

Participar en el Primer Encuentro de Canción Popular Aragonesa les hace tomar conciencia como músicos. Se caracterizan por el compromismo a mantenerse completamente independientes de los partidos políticos y quieren ser un camino para elaborar una cultura auténticamente popular

no monopolizada arriba sino creada desde abajo.

Curiosamente esa independencia de los partidos políticos hace que sus canciones permanezcan completamente actuales, la “protesta” de situaciones, hechos, formas y maneras que se denuncia en sus temas, no ha cambiado desde el franquismo.

Fuente: http
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Joaquín Carbonell (Alloza, Provincia de Teruel - 12 de agosto de 1947) estudió en el Instituto de Teruel (1967-1969), donde fueron profesores suyos José Antonio Labordeta y José Sanchis Sinisterra y tuvo como compañeros a Federico Jiménez Losantos y a Carmen Magallón. En el diario Lucha de Teruel llevó una página periódica dedicada a la música pop.
Tras grabar varios discos, Carbonell dirigió y presentó varios programas de televisión. 
Como músico ha creado canciones relacionadas con el Real Zaragoza, como son Corazón de León, Zaragol o el himno oficial del 75 aniversario.

Joaquín Carbonell (Alloza, Provincia de Teruel - 12 de agosto de 1947) estudió en el Instituto de Teruel (1967-1969), donde fueron profesores suyos José Antonio Labordeta y José Sanchis Sinisterra y tuvo como compañeros a Federico Jiménez Losantos y a Carmen Magallón. En el diario Lucha de Teruel llevó una página periódica dedicada a la música pop.

Tras grabar varios discos, Carbonell dirigió y presentó varios programas de televisión.

Como músico ha creado canciones relacionadas con el Real Zaragoza, como son Corazón de León, Zaragol o el himno oficial del 75 aniversario.

Fuente: http
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(Zaragoza, 1935 - 2010) Poeta y cantautor español considerado uno de los principales exponentes de la canción de autor durante los años de la transición política española. Su primer disco de larga duración se publicó en 1974, un año antes de la muerte de Franco, con el sugerente título de Cantar y callar. Tras el declinar de la canción protesta, en los años 90 presentó en televisión el premiado programa culturalUn país en la mochila. Comprometido desde siempre con la izquierda, fue además en varias ocasiones diputado del Congreso.

Fuente: biografiasyvidas.com
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Aunque desde la aparición del rock en Aragón, a principios de los años sesenta, nuestra comunidad ha sido siempre muy rockera, los años setenta fueron una época de transformación social y resistencia política.# En este contexto de la decadencia y final del régimen franquista, los cantautores tomaron el relevo de los rockeros. Comenzaron a cobrar cada vez más protagonismo como las voces del pueblo, a través de unos sonidos muy naturales y de la tierra que si bien se podrían catalogar dentro del folk, portaban unas letras muy revolucionarias, reivindicativas y con muchos lemas de izquierda, por y para el pueblo obrero. En la llamada Franja de Aragón, influida por el movimiento de los cantautores catalanes y la Nova Cançó, crearon la Nueva Canción Aragonesa que comenzó a producir sus propios artistas.

La fecha decisiva que define el inicio de una Nueva Canción Aragonesa es el 13 de noviembre de 1973, cuando se realizó en el Teatro Principal de Zaragoza “el Primer Encuentro de Canción Popular Aragonesa” en el que tomó parte Labordeta junto a Joaquín Carbonell, La Bullonera, Renaxer, Tomás Bosque, Pilar Garzón y Tierra Húmeda.

“Carbonell,Labordeta y La Bullonera fueron tres activistas de la canción durante los últimos años del franquismo y en los primeros de la Transición. Sus recitales en pabellones, teatros, colegios mayores, frontones y hasta en remolques de tractor eran no sólo celebraciones musicales sino auténticos actos de reivindicación política en los que el público, de izquierda obviamente, coreaba las canciones y al mismo tiempo lanzaba gritos en favor de la amnistía, el autonomismo o la libertad democrática.” 

Estos cantautores fueron un centro social y reivindicativo durante los primeros años de democracia, hasta que esta situación se estabilizó y perdieron el papel que tan importante fue durante los años 70.image

Fuente: http
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Rubens, Brueghel, Lorena “El paisaje nórdico en el Prado”

Asistí a esta exposición el 22 de Febrero. La verdad es que me pareció una muestra muy amplia, con sus pros y sus contras ya que a nivel personal, creo que había de todo, desde obras muy buenas hasta no tan buenas. Es muy interesante ver una recopilación tan amplia de autores que convivieron en la misma zona y época y cómo se refleja eso en la obra. La exposición estaba organizada por temática: paisaje invernal, marítimo, bosques, etc.

Las obras que más me gustaron y deseo recalcar son las que aparecen en las imágenes (que no les hacen nada de justicia): ”El paraíso terrenal” de Jan Brueghel el joven, ”Paisaje” y “Mercado y lavadero de Flandes” de Jan Brueghel el viejo, y “Bosque” de Simon de Vlieger.

Mercado y lavadero de Flandes me gustó mucho en especial y el cuadro de Bosque tenía una luz y dramatismo impresionantes.

Lugar: La Lonja, Pza de las Catedrales, Zaragoza / Horario: Martes a sábado de 10 a 14 y de 17 a 21h. Domingos y festivos de 10 a 14h. Lunes cerrado / Fecha: Del 19 de Diciembre de 2012 al 24 de Febrero de 2013 


Cuarenta y tres pinturas de los más destacados maestros del género conforman la exposición El paisaje nórdico en el Prado. Rubens, Brueghel, Lorena, en La Lonja hasta finales de febrero, organizada por el Museo del Prado, La Caixa y el Ayuntamiento de Zaragoza, y comisariada por la conservadora de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte (hasta 1.700) del Museo del Prado, Teresa Posada.

Aunque hoy en día asociemos el concepto nórdico a los países fríos del norte de Europa, en la Edad Moderna, ese término se utilizaba para referirse a todos los paisajes que se pintaban más allá de los Alpes, fundamentalmente en la región de Flandes. Allí precisamente empieza a cambiar el concepto pictórico, hasta ese momento se trabajaba para palacios y para la corte, y a partir de ahora, aparece una burguesía pujante que es la que empieza a encargar los cuadros y en los que “el paisaje se utiliza como entorno y no como fondo”. 

Con la irrupción en escena del paisaje de los pintores nórdicos, este pasó a convertirse en un género pictórico independiente (en Italia se despreciaba desde el Renacimiento) en el que el asunto representado se relega a un segundo plano y se convierte en pretexto para representar los elementos de la naturaleza. 

La muestra está dividida en nueve apartados: “La montaña: cruce de caminos, encuentro de viajeros”, “El bosque como escenario”, “Rubens y el paisaje”, “La vida en el campo”, “En el jardín del palacio”, “Paisaje de hielo y nieve”, “Paisaje de agua: marinas, playas, puertos y ríos”, “Paisajes exóticos, tierras lejanas”, y “…y en Italia pintan la luz”.

En la exposición se pueden ver cuadros de primer nivel entre los que quizá haya que destacar un espectacular (y famoso) Atalanta y Meleagro cazando el jabalí de Calidonia, incluido en el apartado dedicado a Rubens. El paisaje fue un género que el gran pintor flamenco prodigó mucho más de lo que se conoció en la época: “Se le considera el gran pintor histórico y religioso pero él pinto en su ámbito privado cerca de cincuenta paisajes que no se conocen hasta su muerte y muchos de los cuales fueron donados a amigos suyos”, explicó la comisaria Posada que indicó como anécdota que “los paisajes de Rubens están pintados sobre restos de tablas de otros cuadros que no estaban ni preparadas”.La muestra presenta dos paisajes más del artista flamenco, Visión de San Huberto (pintado con Jan Brueghel el Viejo) y Acto de devoción de Rodolfo I de Habsburgo (con Jan Wildens). 

La comisaria, Teresa Posada quiso, en la presentación recalcar dos ideas sobre la exposición. Una, la perspectiva política que “tenían todos estos cuadros de finales del siglo XVI. En esa fecha, se separan las provincias del sur de Flandes de las del norte. Los pintores del sur, que siguen dentro de la Corona española, “están al servicio de la recuperación política y social que están promoviendo los archiduques y lo reflejan en sus pinturas”. Por su parte, los artistas del norte saludan a la burguesía que está creando un país basado en el comercio y la flota mercante, que aparecen en sus cuadros. El segundo aspecto sobre el que llamó la atención Teresa Posada fue “la luz naturalista que aparece en los cuadros en el siglo XVII. Entonces aprendieron que el espacio lo construye la luz y sientan las bases para el desarrollo del paisaje moderno”.

Fuente: http://www.redaragon.com/agenda/fichaEvento.asp?id=59221